曲をアレンジする上で重要な事って何だと思いますか?

アレンジをする人によってどこに重点を置いているかはそれぞれ異なったりもしますが、私がアレンジをする際に最も気をつけているのは、メロディを殺さな い、唄っている人が気持ちよく歌えるようにアレンジをする事。リスナーが思わずリズムに合わせ身体が動いちゃう様なそんなアレンジ。バラードだったら泣け ちゃう様なそんなアレンジを心がけています。もうイントロ鳴っただけでキターーーー!って思ってもらったら嬉しいですよね!

自分の曲がそんな感じに仕上がったら楽しいと思いませんか??メロディに音を乗せる事でワクワクしてくる瞬間を体験して貰いたいと思います。今はPCで DTMソフトを使って色々な方がそれを実現しています。皆さんもそんな事が出来たら、曲もドンドン書きたくなっちゃいますよね!

この記事を参考に少しでも多くの音楽が世の中に生まれてくれたら嬉しいです。

これからDTMで皆さんが作って行く音楽には、大きく分けて3つの要素の組み合わせで出来ています。

1メロディ(唄の旋律)
2コード
3リズム

まずはコードと呼ばれる物からお話して行きますね!

この様に上に書いてある記号がコードと呼ばれ、その記号から以下の譜面の様な音の構成が表されます(その下に書いてある音名も参考にして下さいね)

では何故このコードを知る事、覚える事が必要なのでしょう??

それはこの記号を使う事によって、バンドで皆が演奏したり、人との音源のやり取りなど音楽の共通言語として使われているからです。言語の違う国の方とでもこのコードさえあれば、一緒に演奏出来て音楽で語り合うことも可能なのです。そう思うと楽しいですよね!

英語が世界の会話の共通言語になって来ている様に、音楽ではコードが音のやり取りの橋渡しをしてくれます。

それではコードの基本を幾つか紹介致しましょう!

本当にそうなんです!!

この記号の右側に他に幾つかの文字や数字を組み合わせて様々な和音が生み出されます。メロディに付けるコードによっては、曲のイメージも凄く変わっちゃうんです!

コードアレンジ1

コードアレンジ2

または楽しく聞こえるコードと悲しく聞こえるコードとでも言いましょうか。。。

それはメジャーコードとマイナーコード音楽用語ではこう言い表します。
系列で大まかに分けると表の様な記号が付き、右にある様な呼び方をします。

マイナーは他にもC-とマイナス記号を使う方もいらっしゃいます。メジャーセブンは△で表す方(私もそうです)Maj7と表す方もいらっしゃいますので表に2つ記しました。

大きな7つの記号(C,D,E,F,G,A,B)の横にある数字は6と書いてある時はその大きな記号から数えて6番目の音を加えて下さい。7と書いてある時は7番目の音を加えて下さい。と言う意味になります。

ピアノ鍵盤で説明しますが、黒い鍵盤の所は大きな記号の右上に#シャープbフラットを付けて表します(図1)

先ほどの表のコードを実際の音で聞いてみましょう!

例:
C

C6

Cmaj7

C7

Cm

Cm6

Cm7

C-maj7

Cdim

音楽は主にこのコードの幾つもの繋がりで演奏する事が出来ます。このコードの繋がりをコード進行と言います。

譜2は私が作曲した楽曲のコード進行になります。コード進行に著作権はありませんので、皆さんネットに出ている様な好きな楽曲のコード進行を利用できます。作曲するのにもとても勉強になるのでドンドン参考にしてメロディ作りに役立てて下さいね!

今回はコードについて簡単ではありますがご説明しました。

次回は作ったメロディを実際DTMに打ち込む!をテーマにDTMの仕組みや作曲のコツ!をご紹介致します。

ネットで作曲ソフト、アレン ジソフトなど検索すると、様々なソフトウエアが紹介されています。スタジオ作業でスタンダードなProToolsをはじめにSonar、Studio One、Nuendo、Live、Logic X、Cubase、Digital Performerなど、数多くありますよね。どれが1番とは一言では言えないぐらいどのソフトも充実していて、それぞれのソフトの特徴も様々です。

どれが自分に合っているのか??これはホント悩んでしまいますよね??
そんな方達に私が迷わずいつもお勧めしているのが、「自分の仲の良い周りの方が一番多く使っているソフトを選んで下さい!」と言う事です。

説得力が余り無い様に聞こえますよね?
ですが、これが実は一番ソフトを使いこなす上で、最良な選択ではないかな?と思います。
それは、「あれ?ココどうするんだっけ?」とか「ここの作業はどうしたら上手く早く良い感じに仕上がるのかな?」など使い始めるとついつい出て来る沢山の 疑問これをネットや取扱説明書などで一生懸命調べるのも良いのですが、自分の周りの人が同じ物を使っていれば、すぐ聞けますw
ご飯おごればきっと沢山教えて教えてくれますw

私は現在、編曲のメインにLogic X、サブでWindowsのCubaseにソフトウエア音源を立ち上げながら日々作業をしております。ライブではチャンク機能が売りのDigital Performerも使用しております。

最近は、どのソフトウェアも内蔵音源(ソフトウエア音源)と呼ばれる物が、購入時にソフトの中に組み込まれてたりします。(ピアノ、ベース、ギター、ドラ ム、Loop、シンセ音源など)沢山の楽器の音がソフトを開いた(起動した)だけで使えるなんて、とても便利ですよね!LogicXから内蔵プラグインソ フト音源を幾つかご紹介します。最後のGuitar Rigは後日追加したNative Instruments社の物です。

DTMソフトウェアに組み込まれているもの、購入して後から追加出来るもの、無料で追加出来るソフトを挙げたらビックリするぐらいの量が有ると思います。1000以上は有るのではないでしょうか?こんな沢山のソフト音源を見ただけでも私はワクワクしてしまいます!

残念ながら今回はソフトのご紹介ではないので、ここまでにします。

さてDTMで打ち込みをする話へと戻りますが、DTMソフトには、どのソフトにも殆ど共通する概念があります。それは音をPCソフトの中で大まかではありますが、以下の要素をデータ化していると言う事です。

時間(Tempo1〜無限大普通は60辺りから200ぐらい)
音の高さ(C0〜C8)
音の強弱(0〜127)

ソフトの中で音はこんな風に表示されます。

これは何で2通りの物が有るの??
DTMソフトは、棒状のグラフみたいなもので表されるMIDIデータと、ギザギザした波形状に表されるオーディオデータとで、音を表現するために使い分けています。

先ほどのソフトウェア音源など多くはMIDIデータで表示され、歌や生演奏したを録音したものや、オーディオ素材(SEやドラムLoopサンプルなど) は、オーディオデータとして波形表示されます。一つ一つの箱状になったものは、幾つかのソフトでリージョンと呼ばれます。このリージョンが時間軸(テン ポ)に合わせ横に並んだデータをトラックと呼び、左から右へと時間が進むアレンジウィンドウへ並べることが出来ます。

ソフトウエアによって呼び方 は変わりますが、考え方はほぼ共通しています。上のアレンジウィンドウは実際の私の作業のデータになります。自分の場合アレンジウインドウの真ん中に"ク リック"と呼ばれるガイド音を貼ってあります。そのクリックトラックより上にオーディオデータ、下にMIDIデータを配置して作業中にわかりやすい様にし ています。

少し昔の話になりますが、PCが音楽に使われるまではスタジオに大きなテープレコーダーがあって、1曲あたり最大48トラックを使ってひとつひとつ録音し て行きました。今はPCがそのテープレコーダーの代わりをしてくれて、トラック数はほぼ無限となっています!たった30年でここまできてしまうなん て・・・驚きです!

この他に音楽のソフトは
・ミキサーと呼ばれる音量やPAN(音の定位 左ー右)を調整する所
・細かくオーディオを編集(オーディオエディット)出来る所
・ピアノロールと言うピアノの鍵盤を縦にしてMIDIデータを編集出来る所
・MIDIデータを全て数値で見るイベントリスト

などまだまだ多くの機能あります。

前置きが長くなりましたが、さぁここからが本題です!
今回はDTMソフトの内蔵音源(プラグインソフトウェア)で作ったメロディを打ち込んでみましょう!

最初に説明しましたが、「メロディを打ち込む」と言うのは、PCのマウスやキーボードを使ってDTMの画面上に音を入れて行く作業の事を差します。もちろん、ピアノが弾ける方はUSB接続のMIDI鍵盤から直接弾いても構いません。

ここでは、マウスを使いながら打ち込んで行きましょう!

実際にここまで色が変わる事 は余り無いですが、大抵のソフトは音の強さが色で分かる様になっています。Logic Xは赤が一番強く段々と青に向かって行くに従い弱くなります。ベロシティー数値で言うと127から1に向かって青くなります。私の場合、メロディは鍵盤で 弾きますが、大体80〜115ぐらいの幅です。頭に浮かんだメロディを探しながらその音の所にカーソル(マウスのアイコンが矢印や鉛筆マークだったりしま す)を置いて音を確認しながら打ち込みます。

ここでとても大切なのは、鍵盤にしてもマウスで打ち込むにしても、入力する際に必ず歌ってみると言う事です。

自分が歌う訳でもないし。なんて思わず、恥ずかしがらずにこっそり一人で歌ってみてください。もちろん仮のコードなど入れて、自分でDTMに直接歌を唄ってレコーディングするのも凄く良いと思います。

では何故歌わなくてはならないのでしょう??
唄物の場合、実際に唄ってみると、

・どこで息継ぎをするのか?
・どこまで音符を伸ばしてどこで切るのか?
・ある程度歌いやすい(音程の取りやすい)音の動きであるか?

等、色々な事に気付けるはずです。

メロディも含め音楽で間違ってはいけない事があります。音は、音の出るタイミングだけでリズムが刻まれるのではなく、音の切れ目でもリズムが出ると言う事です。もっと言えば、音が鳴っていない所で音楽を感じる!(まるで禅の様ですねw)と言う事です。

私も歌のディレクションでこの事はかなりの歌い手さんにリクエストしてきました。音の出だしのタイミング、大きさ、表情、音の切れ目の処理、息継ぎのタイミング・・・。

これら全てが合わさって一つの音の表現になるのだとも思います。ここを踏まえず見た目の長さだけで打ち込んだりすると、とてもつまらない感情のこもってい ないメロディに聞こえてしまいます。逆に言うならば、無機質な感じを表現したい場合はここを揃えてしまえば良いということでもあります。

平坦に打ち込んだメロディー

抑揚を付けて打ち込んだメロディー

いかがでしょうか?
聞いていて自然に聞こえるメロディをご自身で唄ってみながら打ち込んでみて下さいね!

なんだか難しくなって来て、もっと楽に唄える曲をサクっと作りたいと思っている、あなた!!
お勧めなのは、ご自身の好きな曲やサウンドのカラオケに新しく勝手にメロディを自作して唄ってみて下さい。コード進行には著作権はありませんから、まずはそういうやり方で曲を自作してみるのも楽しいですよ!

また少しでもピアノやギター弾ける方は、好きな曲のコードをコピーして、コード進行やメロディの動きなどを感じながら自分なりに作り替えるのも良いと思い ます。プロの作家の方々も日々テーマを持ち、リファレンス曲を決め、そのコードやリズムや全体の雰囲気を掴み、作曲したりもしています。

まず大切なのは、その作曲したメロディの楽曲の音の方向性を決めることがとても大切です。

もちろん、作曲の際に参考にしたサウンド、コード進行、アーティストイメージなどがある場合、編曲の方向性は決まっていたりします。何もイメージなくメロ ディが出来ちゃった!なんてことも当然ありますよね?そういう場合も参考になる様な音源などYouTubeやお持ちのCD,スマートフォンにダウンロード した音源などから探してみるのもとても良い事だと思います。

参考にする楽曲が決まったら、次に何をすれば良いのでしょうか??

それはズバリ!その楽曲を自分なりに解析することです!
解析!?!?とても難しく思われてしまった方、ご安心ください。楽曲に対する音の聴き方を変えるだけで良いのです。これには多少訓練と言いますか、慣れがある程度必要になってきますが、実は結構楽しいものです。

概ね楽曲には、以下の楽器が入って居る事が多いです。

•ドラム
•ベース
•ギター
•ピアノなどの鍵盤楽器

これらの4パートの楽器は実はアレンジの土台(ベーシック)を作る上で非常に重要なんです。私たちはこの4パートを4Rhythm(フォーリズム)と呼んでいます。

音楽のジャンルによって、時にこれらの楽器は様々な音色に変わる事も多いです。

ドラムはLoop(音が1〜2小節またはそれ以上で繰り返されるサンプリング音源)や電子系のドラムの音に。

生ドラム

Loop

エレクトロ

ベースも奏法が変わったり。

ベース

スラップベース

ギターもアコースティックギターから、ものすごく歪んだギターだったりもします。

アコースティックギター

歪みエレキギター

ピアノは、もちろんアコースティックなものからエレピと呼ばれる楽器にも替わったりします。

アコ—スティックピアノ

Rhodesエレクトリックピアノ

DX系ピアノ

まずはこれらの楽器が、参考としている楽曲や、イメージの元となる楽曲で実際にメロディに対してどのような関わり合いで演奏しているか?を聴き分けて行く 作業から始めて行く事をお勧め致します。我々は耳コピなんて言い方もしていますが、普段皆さんは好きな楽曲など聞かれるときは主に歌詞やメロディなどをも ちろん聴いていると思います。

そこから今度はドラムだけを聴こうとしてみてください。ベースがどんな動きをしているか?だけを聴いてみてください。そしてギターのバッキングやストロー ク(演奏方法)、ピアノの演奏など、歌に対してそれぞれの楽器がどんな風に関わっているのか?そこを聴き分けられる様に注意深く何度も聴いてみてくださ い。全部丸まる聞いてコピーしてください!とは言いません。

でも歌っていてドラムのリズムのココが気持ちいいから歌いやすいんだな!とか、歌の間にこのギターのリズムがあるから歌ってて楽しいんだな!ピアノのこの フレーズで自然と次のメロディが歌えるのかな?等などを感じられる様になる事が、実は編曲をする上ではとても大切なんです。

私が編曲のお仕事で打ち合わせをする際にも、最近はよくリファレンスとして色々聴かせて頂く事が多いです。そしてその場で私はリファレンス曲を解析し、必要な楽器の構成確認、リズムの方向性、コード感、などを打ち合わせします。

それでは実際にメロディに対してそれぞれの楽器が、どの様に関わっているのか?リズムやサウンドはどんな楽器で組み立てられているのか?先日レコーディン グしたヒステリックブルーのボーカルのTAMAさんのソロアルバム曲を参考に聞きながら歌と楽器のアンサンブルを聞いてみましょう!

2ミックス

歌とドラムとベース

歌とギター(アコースティックとエレクトリックギター)

5パートのアンサンブル(ドラム、ベース、ギターx2、ピアノ)

歌と5パート

歌無し

いかがでしたでしょうか??
こんなバラでなんてスタジオで作業している時にしか、とても聞けませんがバラバラの音源を聞いて、またオリジナルを聞き直してみてください。何となくその楽器がクローズアップされて聞こえて来ませんか??

・・・・・・・

次にアレンジのイメージを大きく変えた楽曲の例を聞いてみてください。

元々のデモはもっとトランス的な4つ打ちのキックのデモだったのですが、アーティストのイメージとは違うかな??と思い、まずは基本のドラムに合わせてLoopに工事現場的なサウンドを使いました。

Loop素材

ドラムとLoop合わせたリズム

これにギターのフレーズを組み合わせました。

ギターリフ

う〜ん・・・、でもこれだけだと何だか泥臭いww
と、感じたので、シンセのシーケンスを足してイントロを作りました。

Synth Loop

そして出来たイントロがこれです!

「無限大の空」イントロ

出来上がったものを聞くと、一度にこんなに浮かんだのか?!なんて思われるかもしれませんが、全然そんな事ありません。最初はギターのリフが何となくイメージ出来たので、そこからドラム、ベースをデモでは打ち込んで行きました。

この様に方向性を楽曲のセクションご と(イントロやAメロとかサビとか)でも構いませんので、決めながら編曲を進めて行く事をお勧め致します。もちろん、作業途中で方向性を迷ってしまう事も 私も多々あります。そんな時はリファレンスした曲を聞き直したり、編曲作業しているものを頭から聞き直したり、コンビニに行ったりw、気分転換も含め聴き 直して方向性の再確認、客観性を持って聴き直してみる事もとても大事です。

リファレンスする楽曲が1曲とは限りません。2曲だったりなど仕事でもよくあります。
これは一体どういうことでしょうか??仮にA曲、B曲として話を進めます。

A曲→イントロダクション(前奏)からのリズムの感じ
B曲→サビの弦(ストリングス)の動きのイメージ

こんな風にリクエストされたりもします。ではこの場合A曲のリズムと言われ、何を感じて音を構成したら良いのでしょうか?

先ほどのサンプル音源の様にドラムの リズムのみを聞く事を試してみてください。その上で、8Beat なのか?16Beat なのか?キックスネアはどんなパターンで演奏しているのか?歌のメロディにイントロからどんな風にAメロに入って絡むリズムになっているのか?もちろん、 リファレンスした楽曲とご自身での曲のリズムが全く同じとは限らないと思います。その辺りは考慮しながらリズムを調整してみてくださいね!

■アドバイス

1.私が仕事で今まで出会った数多くの尊敬するドラマーの方々は、曲を演奏するときにその曲を口ずさみながら叩いてる方がかなり多いです。自分で叩いて気 持ちよく口ずさめていれば、歌の方も当然気持ちよく歌えると思えませんか?それぐらいドラムのリズムとメロディとは密接な関係にあります。ドラムを打ち込 んだらそのリズムで自分で気持ちよく歌えるか??この確認もとても大切です!

2.またドラムを打ち込む際の基本として、決して1小節ずつ作らないでください。最低でも2小節パターン4小節パターンでリズムを打ち込む事をお勧めしま す。なぜかというと、リズムを打ち込み終わり通して曲を聴けば一目瞭然なんですが、ドラムのグルーヴが出来上がったときにとても自然の流れに聴こえるから です。

ドラムパターンのキックに対してどこ までリズムを合わせているのか??セクションごとのベースの基本のパターンなども確認しながら打ち込んで行きます。もちろんコードネームのルートばかり弾 いている曲ばかりでもありません。時にはギターと一緒のフレーズを弾いたり(ユニゾンと言います)コードの移り変わりに経過音と呼ばれる、コードがスムー スに替わった様に聴こえる動きなど、様々な手法があるものです。リファレンス曲のそういうところにも注意して聴いてみて下さい。また、指で弾いているの か?ピックを使っているのか??スラップと呼ばれる指ではじいているのか?少し歪んでいるのか?などなど楽曲のサウンドに合わせ演奏方法も変わります。

指で演奏

ピックで演奏

スラップで演奏

歪ませて演奏

歌う方は音程をベースを聞きながら取る事も実際多いですので、メロディに対してあまりにもぶつかるようなリズムや、音程は避ける事も必要だと思います。またわざとギターやベースで音をぶつけてそこを楽曲の印象とする物もありますので、
打ち込みながら試してみてくださいね。

■アドバイス

最近はドラムのソフト音源が非常に優れている物が沢山出て来ています。AddictiveDrums2,BFD3,EZ Drummer2などに代表される様に、実際に生のドラマーが叩いたデータをMidi化してPC上で再生出来たり、編集出来たりします。私もEZ Drummerの上位に機種にあたりますSuperiorDrume2 を使用し、Midiデータでのドラムを曲に合わせて編集しながら実際のレコーディングで多様しております。

ただここで一つ重要なのが、やはりメロディに合わせキックやパターンを調整する事、またドラムの音源やフレーズのクオリティが上がった分、ベースの打ち込みが単調過ぎたり、ドラムのグルーヴに合わない、歌ともマッチングしない。
そんな事が実際打ち込みでは落とし穴になります。そういう意味でもベースの打ち込みは、より細心の注意を払いながらご自身の作品に合った演奏方法で、歌心あるベースの打ち込みを目指して頂きたいと思います。

この関係性はとても大切とお話しまし たが、ドラムとベースの関わりもとても曲の方向性を決める上で大事です。リズムパターンの組み合わせもそうですが、音の混ざり具合も大切です。ドラムと ベースの関係は野球で言うならばピッチャーとキャッチャー、テニスのダブルスのパートナーの様に阿吽の呼吸が有ると、ドラムとベースの演奏で、歌も楽曲も すごく気持ちよく聞こえます。私も打ち込みでもそういう風に聞こえる様にアレンジする曲も沢山あります。

それではまずそれぞれの音同士の関わり合いを、なま音とプラグインのエフェクトをかけた音を聞き比べてみながら考えてみましょう。
なぜプラグインエフェクトをかける必要が有るのか?何のためにプラグインエフェクトをしようするのか?については、後ほど音を聞き比べて頂く過程で説明しますね!

前回はデモからのラフミックスで歌とのアンサンブルをお聞きいただきましたが、なんと今回はMix(CDにプレスする前段階でのエンジニアによる作業)データを元に一つ一つの音から比べて行きます!

生ドラムエフェクト無し

生ドラムエフェクト有り

こちらにプラグインエフェクトのパラメータの一部もいくつかご紹介致します。プラグインエフェクトに通す事により、一つ一つの楽器の音の特徴を出しています。(画像クリックで拡大)

ドラム全体とアンビエント(部屋の残響音)のエフェクトチェーン

先ほどの疑問ですが、どうしてこの様に一つ一つの音に手間隙かけて音を作り込む必要が有るのでしょうか?それはミックス作業をするのにはそれぞれの楽器や歌の美味しい帯域が、被らない様にするためにプラグインエフェクトをかける必要が有るからです!

え??
美味しい??何が??
帯域??
被らない??

何だか怪しい用語の連発ですね!とても不思議な言い回しに聞こえますが、実はココが今回のポイントの1つです!!

人の耳が左右に有る様に、音楽もスピーカーやイヤホン、ヘッドホンなど左右から音が出る様にCD制作では曲のバランスを作って行きます。

音のイメージ図になりますが、スピーカーのLとRそして上下で音の高い低いをイメージしてみましょう。

今イメージした図にベーシックの4リズム(ドラム、ベース、ギター、ピアノ、歌)を重ね合わせてみると、例えばこんなイメージになります。

漠然とで構いませんのでこういう風なイメージ図を皆さんが好きな楽曲を聞きながらイメージしてみて下さい。そういう風に音楽を聴くのもちょっとマニアックですが楽しいです。

それでは引き続き他の楽器の聞き比べをしてみましょう。

生ベースエフェクト無し

生ベースエフェクト有り

Basicギターエフェクト無し

Basicギターエフェクト有り

それぞれの音で聞き比べても違いがお分かりだと思いますが、ドラム、ベース、ギターでまとめて聞きながら、先ほどのイメージ図を思い描いてみて下さい。

ドラム、ベース、ギター エフェクト無し

ドラム、ベース、ギターエフェクト有り

如何ですか?楽器ごとに少し手を加える事によって、リズムの感じ方、グルーブ(乗り)も明確に差が出ていると思います。

それぞれの楽器の特徴(美味しいところ)である、音の帯域(高いところや低いところの響き)をこの様に整理してあげる事がとても大切です。こういう1つ1 つの作業をする事が、曲の全体のイメージを損なわずに唄の歌詞を聞きやすくします。そしてそれぞれの楽器同士の音の特徴を活かしながらサウンドを構成し、 歌詞の世界観を広げてくれるのです。先に音のバランスを取る大切さを説明しましたが、編曲を進める上で必要な事があります。前回の内容とも重なる部分では ありますが、編曲をしていく過程で大切なのは唄の邪魔をせず、楽器ごとのアンサンブル(合奏)を組み合わせて行く事です。

楽曲のセクションごとの耳に残るフレーズ(旋律)であったり、唄の合間に聞こえて来て次のメロディへと自然とつないでくれたり、時にはドキッとする様な展 開で歌詞に耳が釘付け!?になったり、皆でタオル振り回したくなる様な盛り上げをしてくれたり・・・。そういう音のつながりを作る事が編曲ではとても大切 ですし、私はワクワクしながら編曲をしています。

それでは実際に編曲でどういう事が起きているかを、音を聞きながら体感してみましょう!何度も例に出しておりますが、今度は楽器のアンサンブルに注意して聞いてみて下さい。

まずイントロのモチーフのギターのフレーズを聞いて下さい。
無限大の空イントロギターリフ

唄が始まるAメロの4と8小節目でこのフレーズが再登場します。
Aメロサンプル

このAメロではもう1つアンサンブルがあります。唄の出だしの前に唄と同じリズムでギターがアルペジオを弾いています。これは唄が出る前にギターがリズムを提示しています。1小節目と5小節目の始めの2拍をお聞きください。

どうですか?聞こえて来ましたか?

こういうアンサンブルと基本のビートでは疾走感が欲しかったので、このテンポにしては鬼!とも思われるベースとギターのバッキング!!もトッピングしておりますwAメロ1つとっても唄に対して様々なアプローチで楽器のアンサンブルをしております。

次回もドラムとパーカッションとベースのリズムアンサンブルや、それぞれの組み合わせのパターンも紹介して行きたいと思います。また音の本日のイメージの3D版とも言える奥行きの出し方も、音とプラグインのパラメータを交えて体験して頂きたいです!

お楽しみに!!